Годы эпохи Возрождения. Общая характеристика эпохи Возрождения

Живопись эпохи Возрождения составляет золотой фонд не только европейского, но и мирового искусства. Период Ренессанса пришел на смену темному Средневековью, подчиненному до мозга костей церковным канонам, и предшествовал последующему Просвещению и Новому времени.

Исчислять продолжительность периода стоит в зависимости от страны. Эпоха культурного расцвета, как ее принято называть, началась в Италии в XIV в., а уже затем распространилась по всей Европе и достигла своего апогея к концу XV века. Историки делят данный период в искусстве на четыре этапа: Проторенессан, раннее, высокое и позднее Возрождение. Особую ценность и интерес представляет, безусловно, итальянская живопись эпохи Возрождения, однако не стоит упускать из внимания и французских, немецких, нидерландских мастеров. Именно о них в контексте временных периодов Ренессанса далее и пойдет речь в статье.

Проторенессанс

Период Проторенессанса длился со второй половины XIII в. по XIV в. Он тесно связан со Средневековьем, в поздний этап которого зародился. Проторенессанс является предшественником Возрождения и сочетает в себе византийские, романские и готические традиции. Раньше всего веяния новой эпохи проявились в скульптуре, а уже затем в живописи. Последняя была представлена двумя школами Сиены и Флоренции.

Главной фигурой периода был художник и архитектор Джотто ди Бондоне. Представитель флорентийской школы живописи стал реформатором. Он наметил путь, по которому она далее развивалась. Особенности живописи эпохи Возрождения берут начало именно в этот период. Принято считать, что у Джотто получилось преодолеть в своих работах общий для Византии и Италии стиль иконописи. Он сделал пространство не двухмерным, а трехмерным, используя для создания иллюзии глубины светотень. На фото картина «Поцелуй Иуды».

Представители флорентийской школы стояли у истоков эпохи Возрождения и делали все, чтобы вывести живопись из продолжительного средневекового застоя.

Период Проторенессанса разделился на две части: до и после его смерти. До 1337 года работают самые яркие мастера и происходят важнейшие открытия. После Италию накрывает эпидемия чумы.

Живопись эпохи Возрождения: кратко о раннем периоде

Раннее Возрождение охватывает период продолжительностью 80 лет: с 1420 г. по 1500 г. В это время оно еще не окончательно отходит от прошлых традиций и по-прежнему связано с искусством Средневековья. Однако уже чувствуется дыхание новых тенденций, мастера начинают чаще обращаться к элементам классической древности. В конечном итоге художники полностью бросают средневековый стиль и начинают смело пользоваться лучшими образцами античной культуры. Отметим, что процесс шел довольно медленно, шаг за шагом.

Яркие представители раннего Возрождения

Творчество итальянского художника Пьеро дела Франческа полностью принадлежит к периоду раннего Возрождения. Его произведения отличает благородство, величественная красота и гармония, точность перспективы, мягкая цветовая гамма, наполненная светом. В последние годы жизни помимо живописи он углубленно изучал математику и даже написал два собственных трактата. Его учеником был еще один известный живописец, Луки Синьорелли, а стиль отразился на работах многих умбрийских мастеров. На фото выше фрагмент фрески в церкви Сан Франческо в Ареццо «История царицы Савской».

Доменико Гирландайо - это еще один яркий представитель флорентийской школы живописи эпохи Возрождения раннего периода. Он являлся основателем известной художественной династии и главой мастерской, где начинал юный Микеланджело. Гирландайо был знаменитым и успешным мастером, занимавшимся не только фресковыми росписями (капелла Торнабуони, Сикстинская), но и станочной живописью («Поклонение волхвов», «Рождество», «Старик с внуком», «Портрет Джованны Торнабуони» - на фото ниже).

Высокое Возрождение

Данный период, в который произошло пышное развитие стиля, приходится на 1500-1527 гг. В это время происходит перемещение центра итальянского искусства в Рим из Флоренции. Связано это с восхождением на папский престол честолюбивого, предприимчивого Юлия II, который привлек к своему двору самых лучших художников Италии. Рим стал чем-то вроде Афин во времена Перикла и переживал невероятный подъем и строительный бум. При этом наблюдается гармония между отраслями искусства: скульптура, архитектура и живопись. Эпоха Возрождения объединила их. Они словно идут рука об руку, дополняя друг друга и взаимодействуя.

Античность изучается в период Высокого Возрождения более основательно и воспроизводится с максимальной точностью, строгостью и последовательностью. Достоинство и спокойствие заменяют кокетливую красоту, а средневековые традиции забываются совершенно. Вершину Ренессанса знаменует творчество трех величайших итальянских мастеров: Рафаэль Санти (картина «Донна Велата» на изображении выше), Микеланджело и Леонардо да Винчи («Мона Лиза» - на первом фото).

Позднее Возрождение

Позднее Возрождение охватывает в Италии период с 1530-х по 1590-1620-е годы. Искусствоведы и историки сводят произведения этого времени к общему знаменателю с большой долей условности. Южная Европа находилась под влиянием восторжествовавшей в ней Контрреформации, которая с большой опаской воспринимала всякое свободомыслие, в том числе и произошедшее воскрешение идеалов античности.

Во Флоренции наблюдалось доминирование маньеризма, характеризующегося надуманностью цветов и изломанными линиями. Впрочем в Парму, где трудился Корреджо, он добрался только после смерти мастера. Свой путь развития имела венецианская живопись эпохи Возрождения позднего периода. Работавшие там до 1570-х годов Палладио и Тициан являются его ярчайшими представителями. Их творчество не имело ничего общего с новыми веяниями в Риме и Флоренции.

Северное Возрождение

Данный термин используется для характеристики эпохи Возрождения во всей Европе, находившейся за пределами Италии в целом и в частности в германоязычных странах. Оно имеет ряд особенностей. Северное Возрождение не было однородным и в каждой стране характеризовалось специфическими чертами. Искусствоведы разделяют его на несколько направлений: французское, немецкое, нидерландское, испанское, польское, английское и т. д.

Пробуждение Европы шло двумя путями: развитие и распространение гуманистического светского мировоззрения, и развитие идей обновления религиозных традиций. Оба они соприкасались, иногда сливались, но в тоже время были антагонистами. Италия выбрала первый путь, а Северная Европа - второй.

На искусство севера, в т. ч. живопись, эпоха Возрождения практически не оказывала никакого влияния вплоть до 1450 г. С 1500 г. она распространилась по всему континенту, однако в некоторых местах влияние поздней готики сохранилось вплоть до наступления барокко.

Северное Возрождение характеризуется значительным влиянием готического стиля, менее пристальным вниманием к изучению античности и анатомии человека, детализированной и тщательной техникой письма. Важное идеологическое влияние на него оказала Реформация.

Французское Северное Возрождение

Наиболее близкой к итальянской является французская живопись. Эпоха Возрождения для культуры Франции стала важным этапом. В это время активно укрепляется монархия и буржуазные отношения, религиозные идеи Средневековья отходят на второй план, уступая место гуманистическим тенденциям. Представители: Франсуа Кенель, Жан Фуке (на фото фрагмент "Меленского диптиха" мастера), Жан Клуз, Жан Гужон, Марк Дюваль, Франсуа Клуэ.

Немецкое и голландское Северное Возрождение

Выдающиеся работы Северного Возрождения созданы немецкими и фламандо-голландскими мастерами. Существенную роль в этих странах по-прежнему играла религия, и она сильно влияла на живопись. Эпоха Возрождения прошла в Нидерландах и Германии другим путем. В отличие от произведения итальянских мастеров художники этих стран человека не ставили в центр вселенной. На протяжении практически всего XV в. они изображали его в стиле готики: легким и бесплотным. Наиболее яркими представителями голландского Ренессанса являются Хуберт ван Эйк, Ян ван Эйк, Роберт Кампен, Гуго ван дер Гус, немецкого - Альберт Дюрер, Лукас Кранах старший, Ганс Гольбейн, Маттиас Грюневальд.

На фото автопортерет А. Дюрера 1498 г.

Несмотря на то что работы северных мастеров значительно отличаются от произведений итальянских живописцев, они в любом случае признаны бесценными экспонатами изобразительного искусства.

Живописи эпохи Возрождения, как и всей культуре в целом, свойственен светский характер, гуманизм и так называемый антропоцентризм, или, иными словами, первостепенный интерес к человеку и его деятельности. В этот период случился настоящий расцвет интереса к античному искусству, и произошло его возрождение. Эпоха подарила миру целую плеяду гениальных скульпторов, архитекторов, писателей, поэтов и художников. Никогда до этого и после культурный расцвет не носил столь массовый характер.

В XV в. итальянское Возрождение вступает в период кватроченто, когда основные принципы «нового стиля» становятся господствующими. Раннее Возрождение характеризуется возникновением и подъемом различных территориальных художественных школ, их активным взаимодействием и борьбой. В культуре того периода формируется культ красоты, прежде всего красоты человека. Живопись становится ведущим видом искусства, и художники стремятся изобразить прекрасных, совершенных людей. Поражают общий высокий уровень художественных произведений, обилие талантов, разнообразие творческих индивидуальностей.

Необычайный расцвет искусства кватроченто имел много причин. В первую очередь способствовало то обстоятельство, что аристократические слои итальянского общества, включая Папу, высоко ценили искусство, любили красоту. Они оспаривали другу друга возможность пригласить лучших художников работать у себя. Так, во Флоренции во время правления Медичи борьба за власть утихла и перешла в борьбу за обладание шедеврами искусства, в соперничество в роскоши. Но это было внешней причиной. Главное в том, что искусство играло в жизни общества важнейшую роль: оно выполняло функцию универсального познания, опередив в этом науку и философию. Новое отношение человека к миру, стремление освоить его как реальную арену своих действий обусловливало необходимость его изучения. Первым шагом в этом познании было ясное, трезвое видение мира, постигающее природу вещей. Изображение мира таким, каким его видел человек, было исходным принципом ренессансных художников — принципом, ставшим настоящим переворотом в культуре, выразившимся в полном отказе от прежних принципов. Знание перспективы, теории пропорций, строения человеческого тела и механизма его движений, умение передать объем на плоскости, а в движениях тела выразить движения души — все это становится и необходимым условием творчества, и истинной потребностью самих художников. Крупнейшими мастерами культуры раннего Возрождения являются архитектор Филиппо Брунеллески, скульптор Донатоде Николо ди Бетти Барди, прозванный Донателло, художники Томазо ди Джованни ди Симоне Кассаи, прозванный Мазаччо, и Алессандро Филипепи, прозванный Сандро Боттичелли.

Мазаччо

Мазаччо стал родоначальником нового направления в итальянской живописи XV в.; он возродил традиции Джотто, отказавшись от многословности, характерной для живописи конца XIV — начала XV в. Индивидуальный художественный стиль Мазаччо наиболее ярко выражен в его фреске «Троица». Композиция фрески включает триумфальную арку с уходящим в глубину сводом. На ней изображены Бог-отец, Святой дух в виде голубя и распятый Христос. Возле распятия стоят Мария и Иоанн, а перед аркой по обеим сторонам помешены коленопреклоненные заказчики. Христианский догмат о Святой Троице утверждал единство Отца, Сына и Святого духа как центра небесного мира. Мазаччо трактует эти образы как реальные исторические лица. Композиция выстроена на основе принципа линейной перспективы, которая соотносит и соединяет фигуры в единое целое. На фреске Мазаччо все фигуры, представляющие Бога и человека, объединяются в образ мира, созданный человеческим разумом. Главным произведением Мазаччо стали росписи капеллы Бранкаччи в церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции, изображающие эпизоды из жизни св. Петра и два библейских сюжета «Грехопадение» и «Изгнание из рая». На фреске «Изгнание из рая» Адам и Ева идут, охваченные безысходным отчаянием, покорные судьбе, их преследует парящий ангел с мечом в руке. Эта фреска во многом стала новаторской: анатомически правильно изображены обнаженные тела; их объем моделирован с помощью светотени; фигуры представлены в естественном, свободном движении; выразительные, живые позы, жесты и мимика раскрывают душевное состояние персонажей. Адам и Ева, несмотря на грехопадение и страдания, не вызывают чувства осуждения у зрителей.

Дух раннего Возрождения проявился также в интересе к античности, к ее идеям и образам, к сюжетам языческой мифологии, обращение к которой в Средние века было запрещено.

Сандро Боттичелли

Сандро Боттичелли воплотил в своем творчестве языческие образы. Обычно этого любимца правителя Флоренции Лоренцо Медичи называют последним художником флорентийской культуры XV в. Отличительной чертой его является обращение к внутреннему миру персонажей, их настроениям и переживаниям. Наиболее известны его картины «Весна» и «Рождение Венеры». До сих пор загадкой остается сюжет картины «Весна», где на цветистой лужайке, огороженной деревьями с оранжевыми плодами на ветвях, расположились различные мифологические персонажи: Меркурий, три грации, Венера, над которой парит Амур, богиня весны и цветов Флора, лесная нимфа и бог легкого ветра Зефир. Персонажи не связаны между собой развитием действия, они погружены в себя, молчаливы, задумчивы, внутренне одиноки. Они даже не замечают друг друга. Эти красивые и утонченные образы рождают мечтательную грусть, тихую радость, неясную, смутную тоску и светлую надежду.

Близка по настроению картина «Рождение Венеры», где обнаженная языческая богиня любви медленно подплывает к берегу, стоя в раковине, гонимой легким дуновением зефиров. Венеру встречает нимфа, готовая укрыть ее легким покрывалом. Удивительно прекрасно лицо богини, полное затаенной печали. Как считают искусствоведы, «Рождение Венеры» — это не языческое воспевание женской красоты. В ней больше красоты духовной, а ее нагота означает естественность и чистоту.

АНДЖЕЛИКО Фра Беато
ДЖОТТО ди Бондоне
МАНТЕНЬЯ Андреа
БЕЛЛИНИ Джовани
БОТТИЧЕЛЛИ Сандро
ВЕРОНЕЗЕ Паоло
да ВИНЧИ Леонардо
ДЖОРДОНЕ
КАРПАЧЧО Витторе
МИКЕЛАНДЖЕЛО БУОНАРРОТИ
РАФАЭЛЬ Санти
ТИЦИАН

Возрождение, или Ренессанс -
(фр. Renaissance, итал. Rinascimento) -
эпоха в истории культуры Европы,
пришедшая на смену культуре Средних веков и
предшествующая культуре нового времени.
Примерные хронологические рамки эпохи - XIV-XVI века.
Отличительная черта эпохи возрождения - светский характер культуры
и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь,
к человеку и его деятельности).
Появляется интерес к античной культуре,
происходит как бы её «возрождение» - так и появился термин.

С классической полнотой Возрождение реализовалось в Италии,
в ренессансной культуре которой различают периоды предвозрожденческих
явлений рубежа 13 и 14 вв. (Проторенессанс), Раннее Возрождение (15 в.),
Высокое Возрождение (конец 15 – 1-я четверть 16 вв.),
Позднее Возрождение (16 в.).
В эпоху Раннего Возрождения средоточием новаторства
во всех видах искусства стала флорентийская школа,
архитекторы (Ф. Брунеллески, Л.Б. Альберти, Б. Росселлино, и др.),
скульпторы (Л. Гиберти, Донателло, Якопо делла Кверча, А. Росселлино,
Дезидерио да Сеттиньяно и др.), живописцы (Мазаччо, Филиппо Липпи,
Андреа дель Кастаньо, Паоло Уччелло, Фра Анджелико,
Сандро Боттичелли и др.) которой создали пластически цельную,
обладающую внутренним единством концепцию мира,
распространившуюся постепенно по всей Италии
(творчество Пьеро делла Франческа в Урбино, Витторе Карпаччо,
Ф. Коссы в Ферраре, А. Мантеньи в Мантуе, Антонелло да Мессина
и братьев Джентиле и Джованни Беллини в Венеции).
В период Высокого Возрождения, когда борьба за гуманистические
ренессансные идеалы обрела напряженный и героический характер,
архитектура и изобразительное искусство были отмечены широтой
общественного звучания, синтетической обобщенностью и мощью образов,
полных духовной и физической активности.
В постройках Д. Браманте, Рафаэля, Антонио да Сангалло достигли
своего апогея совершенная гармония, монументальность и ясная соразмерность;
гуманистическая наполненность, смелый полет художественного воображения,
широта охвата действительности характерны для творчества крупнейших
мастеров изобразительного искусства этой эпохи – Леонардо да Винчи,
Рафаэля, Микеланджело, Джорджоне, Тициана.
С 2-й четверти 16 в., когда Италия вступила в пору политического кризиса
и разочарования в идеях гуманизма, творчество многих мастеров
приобрело сложный и драматический характер.
В архитектуре Позднего Возрождения (Микеланджело, Дж. да Виньола,
Джулио Романо, В. Перуцци) возрос интерес к пространственному развитию
композиции, подчинению здания широкому градостроительному замыслу;
в получивших богатую и сложную разработку общественных зданиях, храмах,
виллах, палаццо ясная тектоника Раннего Возрождения сменилась
напряженной конфликтностью тектонических сил (постройки Я. Сансовино,
Г. Алесси, М. Санмикели, А. Палладио).
Живопись и скульптура Позднего Возрождения обогатились
пониманием противоречивости мира, интересом к изображению
драматического массового действия, к пространственной динамике
(Паоло Веронезе, Я. Тинторетто, Я. Бассано);
небывалой глубины, сложности, внутреннего трагизма достигла
психологическая характеристика образов в поздних произведениях
Микеланджело и Тициана.

Венецианская школа

Венецианская школа, одна из основных живописных школ Италии
с центром в городе Венеция (отчасти также в небольших городах Террафермы-
областей материка, прилегающих к Венеции).
Для Венецианской школы характерны преобладание живописного начала,
особое внимание к проблемам колорита, стремление к воплощению
чувственной полноты и красочности бытия.
Наибольшего расцвета Венецианская школа достигла в эпоху
Раннего и Высокого Возрождения, в творчестве Антонелло да Мессина,
открывшего для современников выразительные возможности масляной живописи,
создателей идеально - гармонических образов Джованни Беллини и Джорджоне,
величайшего колориста Тициана, воплотившего в своих полотнах
присущие венецианской живописи жизнерадостность и красочное полнокровие.
В работах мастеров Венецианской школы 2-й половины 16 в.
виртуозность в передаче многоцветия мира, любовь к праздничным зрелищам
и многоликой толпе соседствуют с явным и скрытым драматизмом,
тревожным ощущением динамики и беспредельности мироздания
(живопись Паоло Веронезе и Я. Тинторетто).
В 17 в традиционный для Венецианской школы интерес к проблемам колорита
в работах Д.Фетти, Б. Строцци и др. сосуществует с приемами живописи барокко,
а также реалистическими тенденциями в духе караваджизма.
Для венецианской живописи 18 в. характерен расцвет
монументально-декоративной живописи (Дж. Б. Тьеполо),
бытового жанра (Дж. Б. Пьяццетта, П. Лонги),
документально - точного архитектурного пейзажа - ведуты
(Дж. А. Каналетто, Б. Белотто) и лирического,
тонко передающего поэтическую атмосферу повседневной жизни
Венеции городского пейзажа (Ф. Гварди).

Флорентийская школа

Флорентийская школа, одна из ведущих итальянских художественных школ
эпохи Возрождения с центром в городе Флоренция.
Формированию Флорентийской школы, окончательно сложившейся в 15 в.,
способствовал расцвет гуманистической мысли
(Ф. Петрарка, Дж. Боккаччо, Лико делла Мирандола и др.),
обратившейся к наследию античности.
Родоначальником Флорентийской школы в эпоху Проторенессанса стал Джотто,
придававший своим композициям пластическую убедительность и
жизненную достоверность.
В 15 в. основоположниками искусства Ренессанса во Флоренции
выступили архитектор Ф. Брунеллески, скульптор Донателло,
живописец Мазаччо, за которыми последовали архитектор Л.Б. Альберти,
скульпторы Л. Гиберти, Лука делла Роббиа, Дезидерио да Сеттиньяно,
Бенедетто да Майано и др.
В архитектуре Флорентийской школы в 15 в. был создан новый тип
ренессансного палаццо, начаты поиски идеального типа храмовой постройки,
отвечающей гуманистическим идеалам эпохи.
Для изобразительного искусства Флорентийской школы 15 в. характерны
увлечение проблемами перспективы, стремление к пластически ясному
построению человеческой фигуры
(произведения А. дель Верроккьо, П. Уччелло, А. дель Кастаньо и др.),
а для многих ее мастеров – особая одухотворенность и интимно-лирическая
созерцательность (живопись Б. Гоццоли, Сандро Боттичелли,
Фра Анджелико, Филиппо Липпи, Пьеро ди Козимо и др.).
Искания мастеров 15 в. завершили великие художники Возрождения
Леонардо да Винчи и Микеланджело, поднявшие художественные искания
Флорентийской школы на новый качественный уровень. В 1520-е гг.
начинается постепенный упадок школы, несмотря на то,
что во Флоренции продолжал работать ряд крупных художников
(живописцы Фра Бартоломмео и Андреа дель Сарто, скульптор А. Сансовино);
с 1530-х гг. Флорентийская школа становится одним из главных центров
искусства маньеризма (архитектор и живописец Дж. Вазари,
живописцы А. Бронзино, Я. Понтормо).
В 17 веке Флорентийская школа приходит в упадок.

Раннее Возрождение

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой
в Италии время с 1420 по 1500 года.
В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается
от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы,
заимствованные из классической древности.
Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее
и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры,
художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются
образцами античного искусства как в общей концепции своих произведений,
так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания
классической древности, в других странах оно долго держалось
традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании,
Возрождение наступает только в конце XV столетия,
и его ранний период длится, приблизительно, до середины следующего столетия,
не производя, впрочем, ничего особенно замечательного.

Высокое Возрождение

Второй период Возрождения - время самого пышного развития его стиля -
принято называть «Высоким Возрождением»,
оно простирается в Италии приблизительно от 1500 по 1580 год.
В это время центр тяжести итальянского искусства из Флоренции
перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II,
человека честолюбивого, смелого и предприимчивого,
привлёкшего к своему двору лучших артистов Италии,
занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой
другим пример любви к художествам. При этом папе и его ближайших преемниках,
Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла:
в нём создаётся множество монументальных зданий,
исполняются великолепные скульптурные произведения,
пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся перлами живописи;
при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку,
помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга.
Античное изучается теперь более основательно,
воспроизводится с большей строгостью и последовательностью;
спокойствие и достоинство водворяются вместо игривой красоты,
которая составляла стремление предшествовавшего периода;
припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический
отпечаток ложится на все создания искусства.
Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности,
и они, с большой находчивостью и живостью фантазии,
свободно перерабатывают и применяют к делу то,
что считают уместным заимствовать для него из греко-римского искусства.

Позднее Возрождение

Третий период Возрождения,
так называемый период «позднего Ренессанса»,
отличается каким-то страстным, беспокойным стремлением художников
совсем произвольно, без разумной последовательности, разрабатывать
и комбинировать античные мотивы, добиваться мнимой живописности
утрировкой и вычурностью форм.
Признаки этого стремления, породившего стиль барокко,
а затем, в XVIII столетии, стиль рококо, выказывались ещё в
предшествовавшем периоде в значительной степени по невольной вине
великого Микеланджело, своим гениальным, но слишком субъективным
творчеством давшего опасный пример крайне свободного отношения
к принципам и формам античного искусства; но теперь направление
это делается всеобщим.

****************************************************

АНДЖЕЛИКО, ФРА БЕАТО -
(Фра Джованни да Фьезоле) (Angelico, fra Beato; fra Giovanni da Fiesole)
(ок. 1400–1455), итальянский живописец флорентийской школы.
В его произведениях сочетались глубокое религиозное содержание и изысканность стиля;
готическая живописная традиция и черты нового искусства Ренессанса.
Фра Анджелико, в миру носивший имя Гвидо ди Пьеро (Guido di Piero),
родился в местечке Виккьо в Тоскане около 1400. В документе, относящемся к 1417,
он уже упоминается как художник; известно также,
что до 1423 во Фьезоле он вступил в доминиканский орден, получив имя фра Джованни да Фьезоле,
а впоследствии был настоятелем монастыря Сан Марко во Флоренции.
Многие произведения, приписывавшиеся раннему периоду творчества Фра Анджелико,
теперь считаются работами его учеников, вариациями на темы его композиций.
Одна из первых крупных работ художника – триптих Линайуоли из монастыря
Сан Марко во Флоренции (1433–1435), в центральной части которого представлена Богоматерь с Младенцем
на троне, а на боковых створках двое святых. Фигура Богоматери показана традиционно,
а в изображении стоящих святых заметно влияние живописи Мазаччо, с ее тяжелой и жесткой моделировкой лиц.
В 1430–1440-е годы Фра Анджелико одним из первых обратился к использованию нового типа алтарного образа,
ставшего очень популярным в эпоху Возрождения, – sacra conversazione (святое собеседование).
С 1438 по 1445 художник расписал фресками флорентийский монастырь Сан Марко.
Этот монастырь, переданный доминиканскому ордену папой Евгением IV, был перестроен архитектором
Микелоццо по заказу герцога Козимо Медичи. Тематика росписей связана с доминиканским орденом,
его историей, уставом, особо почитаемыми святыми.
Примером могут служить фрески клуатра (Мертвый Христос; Христос в образе странника,
которого принимают два доминиканских монаха; Св. Петр Мученик (главный святой доминиканцев);
Св. Доминик, стоящий на коленях у Распятия).
В зале капитула Фра Анджелико написал большую композицию Распятие с двумя разбойниками
по сторонам от Христа и толпой святых всех эпох христианства, собравшихся у подножия креста.
Их скорбные лики обращены к земле, ни один не смотрит вверх на Христа;
художник изобразил Распятие не как историческое событие, а как мистический образ,
живущий в человеческом сознании.
Фрески монастыря Сан Марко наполняет дух Подражания Христу – мистического религиозного трактата,
написанного каноником-августинцем Фомой Кемпийским.
Каждая келья тоже была украшена фресками, которые предназначались для назидания братии,
например композиция Осмеяние Христа. Настроению этих фресок соответствуют простота и
спокойная сдержанность живописи.
Последние десять лет жизни Фра Анджелико провел в Риме, где он украсил фресками капеллу
папы Николая V (1445–1448). Сюжетами росписей стали фрагменты житий св. Лаврентия и св. Стефана.
По замыслу это были скорее повествовательные сцены, чем молитвенные образы.
В них использованы сложные архитектурные фоны, в построении которых чувствуется знание
мастером античного искусства, а в точно выверенных перспективных построениях видно влияние
Мазаччо и Брунеллески.

Коронование Девы Марии

Мучение свв. Космы и Дамиана

*********************************************

Джотто ди Бондоне - родился в 1266 или 1267 г.
в деревне Веспиньяно недалеко от Флоренции в семье мелкого землевладельца.
Предположительно в возрасте 10 лет Джотто начал учиться живописи
в мастерской Чимабуэ, известного флорентийского живописца.
Джотто был гражданином Флоренции, хотя работал также в Ассизи, Риме, Падуе,
Неаполе и Милане. Его талант художника и практическая деловая хватка обеспечили
ему солидное состояние. Несмотря на то, что мастерская Джотто процветала,
история сохранила всего лишь несколько полотен, подписанных его именем,
да и те, по мнению специалистов, скорее всего принадлежат кисти его помощников.
Яркая личность Джотто выделяется среди итальянских мастеров Проторенессанса,
прежде всего, склонностью к новаторству, к созданию новой художественной манеры,
предопределившей классический стиль грядущей эпохи Возрождения.
Его живопись воплощает в себе идею человечности и несет первые зачатки гуманизма.
В 1290-99 гг. Джотто создал росписи Верхней церкви Сан-Франческо в Ассизи -
25 фресок, живописующих сцены из Ветхого Завета, а также эпизоды из жизни Франциска Ассизского
(«Чудо источника»). Фрески отличаются наглядностью, незамысловатой повествовательностью,
наличием бытовых деталей, придающих жизненность и естественность изображаемым сценам.
Отвергнув господствовавший в искусстве того времени церковный канон,
Джотто изображает своих персонажей похожими на реальных людей:
с пропорциональными, приземистыми телами, круглыми (а не удлиненными) лицами,
правильным разрезом глаз и т.п. Его святые не парят над землей, а прочно стоят на ней обеими ногами.
Они помышляют скорее о земном, чем о небесном, переживая вполне человеческие чувства и эмоции.
Впервые в истории итальянской живописи душевное состояние героев живописного произведения
передается мимикой лица, жестами, позой.
Вместо традиционного золотистого фона на фресках Джотто изображен пейзаж,
интерьер или скульптурные группы на фасадах базилик.
В каждой композиции художник изображает лишь один момент действия,
а не последовательность различных сцен, как это делали многие его современники.
В начале 1300-х гг. художник посетил Рим.
Знакомство с позднеантичной живописью и произведениями П. Каваллини
способствовало становлению его творческого метода.
Творческие достижения Джотто получили дальнейшее развитие в росписях капеллы Скровеньи
(капеллы дель Арена) в Падуе, выполненных им в 1304-06 гг.
Расположенные на стенах капеллы в 3 яруса,
фрески живописуют сцены из жизни Иоакима и Анны
(«Иоаким среди пастухов», «Жертвоприношение Иоакима», «Сон Иоакима», «Встреча у Золотых Ворот»),
Девы Марии и Христа («Рождество», «Поклонение волхвов», «Бегство в Египет»,
«Избиение младенцев», «Крещение Христа», «Воскрешение Лазаря»,
«Иуда, получающий плату за предательство», «Поцелуй Иуды»,
«Несение креста», «Распятие», «Оплакивание Христа», «Воскресение»),
а также сцены Страшного Суда.
Эти росписи - главное произведение и вершина творчества художника.
В 1300-02 гг. Джотто выполняет росписи в церкви Бадия во Флоренции.
К 1310-20 гг. исследователи относят знаменитый алтарный образ «Мадонна Оньиссанти».
Композиция не подписана, однако исследователи единодушно приписывают ее Джотто.
В 1320-е гг. Джотто создает росписи капелл Перуцци и Барди
во флорентийской церкви Санта-Кроче на темы житий Иоанна Крестителя,
Иоанна Евангелиста и Франциска Ассизского
(«Стигматизация св. Франциска», «Смерть и вознесение св. Франциска»).
В 1328-33 гг. Джотто при посредстве многочисленных учеников делал росписи при
неаполитанском дворе короля Роберта Анжуйского, который пожаловал художнику титул «придворного».
С 1334 г. Джотто руководил строительством собора Санта-Мария дель Фьоре
и городских укреплений во Флоренции, чем снискал широкое признание среди
современников и граждан Флоренции. Джотто приписывают проект кампанилы
(колокольни) флорентийского собора (начата в 1334 г., строительство продолжено
в 1337-43 гг. Андреа Пизано, завершено около 1359 г. Ф. Таленти).
Джотто был дважды женат и имел восемь детей.
В 1337 г. Джотто умер.

1.Иоаким удаляется в пустыню

2.Мадонна с младенцем

3.Скорбящий ангел 1

4.Св. Клара из Ассизи

5.Стигматизация св. Франциска

6.Св. Стефан

7.Рождество Христовo

8.Рождество Богородицы

9.Введение Марии во храм

10.Пьета, фрагмент

11.Богоматерь с младенцем на троне

12.Евангелист Иоанн на Патмосе

МАНТЕНЬЯ АНДРЕА -
(Mantegna, Andrea) (ок. 1431–1506),
один из крупнейших живописцев эпохи Возрождения в Северной Италии.
Мантенья сочетал в себе главные художественные устремления ренессансных мастеров 15 в.:
увлечение античностью, интерес к точной и тщательной, вплоть до мельчайших деталей,
передаче природных явлений и беззаветную веру в линейную перспективу
как средство создания на плоскости иллюзии пространства.
Его творчество стало главным связующим звеном между ранним Возрождением во Флоренции
и более поздним расцветом искусства в Северной Италии.
Мантенья родился ок. 1431; между 1441 и 1445 он был записан в цех живописцев в Падуе
как приемный сын Франческо Скварчоне, местного художника и антиквара,
в мастерской которого работал до 1448.
В 1449 Мантенья приступил к созданию фресковой декорации церкви Эремитани в Падуе.
В 1454 Мантенья женился на Николозе, дочери венецианского живописца Якопо Беллини,
сестре двух выдающихся мастеров 15 в. – Джентиле и Джованни Беллини.
Между 1456 и 1459 он написал алтарный образ для церкви Сан Дзено в Вероне. В 1460,
приняв приглашение маркиза Мантуи Лодовико Гонзага, Мантенья обосновался при его дворе.
В 1466–1467 он посетил Тоскану, а в 1488–1490 Рим,
где по просьбе папы Иннокентия VIII украсил фресками его капеллу.
Возведенный в рыцарское достоинство, занимая высокое положение при дворе,
Мантенья прослужил семейству Гонзага до конца жизни. Умер Мантенья 13 сентября 1506.
16 мая 1446 Мантенья и три других художника получили заказ на роспись капеллы Оветари
в падуанской церкви Эремитани (разрушенной во время Второй мировой войны).
Мантенье принадлежит большая часть работы по созданию фресок (1449–1455),
и именно его художественный стиль доминирует в ансамбле.
Сцена Святой Иаков перед Иродом Агриппой в капелле Оветари представляет образец стиля
раннего периода творчества Мантеньи.
В других живописных произведениях Мантеньи этого времени, таких, как картина Моление о чаше
(Лондон, Национальная галерея), в жесткой линеарной манере исполнены не только человеческие фигуры,
но и пейзаж, где каждый камень и былинка тщательно исследованы и прописаны художником,
а скалы испещрены изломами и трещинами.
Алтарный образ церкви Сан Дзено (1457–1459) в Вероне является живописной интерпретацией
знаменитого скульптурного Алтаря св. Антония, созданного Донателло
для базилики Сант Антонио (Санто) в Падуе. Триптих Мантеньи имеет обрамление,
выполненное в высоком рельефе и имитирующее элементы классической архитектуры.
Одним из самых замечательных образцов пространственно-иллюзионистической живописи
Мантеньи является роспись Камеры дельи Спози в палаццо Дукале в Мантуе, законченная в 1474.
Квадратное помещение визуально трансформировано фресками в легкий, воздушный павильон,
как будто закрытый с двух сторон написанными на стенах занавесями, а с двух других сторон открывающий
изображение двора Гонзага и пейзажную панораму на дальнем плане.
Свод Мантенья разделил на компартименты и поместил в них в обрамлении богатого антикизированного
орнамента изображения бюстов римских императоров и сцен из классической мифологии.
В верхней части свода написано круглое окно, через которое видно небо;
богато одетые персонажи глядят вниз с балюстрады, данной в сильном перспективном сокращении.
Этот фресковый ансамбль замечателен не только как один из первых в новом европейском искусстве
примеров создания на плоскости иллюзорного пространства, но и как собрание очень остро и точно
трактованных портретов (членов семьи Гонзага).
Цикл монохромных картин Триумф Цезаря (1482–1492) был написан по заказу Франческо Гонзага
и предназначался для украшения дворцового театра в Мантуе; эти картины плохо сохранились
и в настоящее время находятся во дворце Хэмптон-Корт в Лондоне.
На девяти больших холстах изображена длинная процессия с огромным количеством античных скульптур,
доспехов, трофеев. Ее движение достигает кульминации в торжественном прохождении перед Цезарем-победителем. Картины отражают обширные знания Мантеньи в области античного искусства и классической литературы.
В этом цикле и в Мадонне делла Витториа (1496, Париж, Лувр), написанной в память о военной победе Гонзага,
искусство Мантеньи достигло наибольшей монументальности. Формы в них объемны, жесты убедительны и ясны,
пространство трактовано широко и свободно.
Для студиоло (кабинета) Изабеллы д"Эсте, жены Франческо Гонзага, Мантенья написал две композиции
на мифологические темы (третья осталась незаконченной): Парнас (1497) и Минерва,
изгоняющая пороки (1502, обе в Лувре). В них заметно некоторое смягчение стиля Мантеньи,
связанное с новым пониманием пейзажа. Фресковая декорация Капеллы Бельведера,
выполненная Мантеньей для папы Иннокентия VIII в 1488, была, к несчастью, утрачена при
расширении Ватиканского дворца во время понтификата Пия VI.
Несмотря на то, что только семь гравюр могут считаться несомненно принадлежащими руке Мантеньи,
влияние мастера на развитие этого вида искусства огромно. Его гравюра Мадонна с Младенцем показывает,
насколько органично стиль художника может существовать в графической технике,
с присущей ей упругостью и остротой линии, фиксирующей движение резца гравера.
Другие гравюры, приписываемые Мантенье, – Битва морских богов (Лондон, Британский музей)
и Юдифь (Флоренция, галерея Уффици).

1.Распятие, 1457-1460.

2.Мадонна с Младенцем.
1457-59. Фрагмент

3.Моление о чаше.
Около 1460

4.Портрет кардинала Карло Медичи.
Между 1450 и 1466

5.Камера дельи Спози.
Окулюс. 1471-74

6.Камера дельи Спози. Фрагмент северной стены.

7.Камера дельи Спози. Фрагмент восточной стены.

8.Битва морских божеств.
1470-е гг.

9.Св. Себастьян.
Около 1480

10.Мадонна в скалах.
1489-90

12.Мадонна делла Виттория.
1496

13.Парнас.
1497, Лувр, Париж

14.Самсон и Далила. Около 1500
Национальная галерея, Лондон

****************************

БЕЛЛИНИ Джованни -
Беллини (Bellini), семья итальянских живописцев,
основоположников искусства Возрождения в Венеции.
Глава семьи – Якопо Беллини (около 1400–1470/71)
при мягкой лиричности образов сохранял связь с традициями готики
(“Мадонна с младенцем”, 1448, Галерея Брера, Милан).
В его рисунках, полных живых наблюдений
(зарисовки античных памятников, архитектурные фантазии),
отразился интерес к проблемам перспективы, влияние А.Мантеньи и П.Уччелло.
С именем Джентиле Беллини (около 1429–1507), сына Якопо Беллини,
связано зарождение венецианской жанрово - исторической картины,
(“Процессия на площади Сан-Марко”, 1496, “Чудо Святого Креста”, 1500, –
обе в Галерее Академии, Венеция). Джованни Беллини (около 1430–1516),
второй сын Якопо Беллини, – крупнейший мастер венецианской школы, заложивший
основы искусства Высокого Возрождения в Венеции.
Драматически острые, холодные по цвету ранние работы Джованни Беллини
(“Оплакивание Христа”, около 1470, Галерея Брера, Милан) к концу 1470-х год
сменяются гармонически ясными картинами, в которых величавым человеческим образам
созвучен одухотворённый пейзаж (так называемая “Озёрная мадонна”, 1490-е годы, Уффици;
“Пиршество богов”, Национальная галерея искусства, Вашингтон).
Произведения Джованни Беллини, в том числе его многочисленные “Мадонны”
(“Мадонна с деревцами”, 1487, Галерея Академии, Венеция; “Мадонна”, 1488,
Академия Каррара, Бергамо), отличаются мягкой гармонией звучных,
словно пронизанных солнцем насыщенных цветов и тонкостью светотеневых градаций,
спокойной торжественностью, лирической созерцательностью и ясной поэтичностью образов.
В творчестве Джованни Беллини наряду с классически упорядоченной композицией
ренессансной алтарной картины (“Мадонна на троне в окружении святых”, 1505,
церковь Сан-Дзаккария, Венеция) сформировался полный интереса к человеку
(портрет дожа Л.Лоредана, 1502, Национальная галерея, Лондон;
портрет кондотьера, 1480, Национальная галерея, Вашингтон).

1."Св.Георгий и дракон" Деталь Алтаря, 1470

2."Греческая мадонна"
1460

3."Портрет кондотьера"
1480

4."Пир богов"
1514

5."Распятие"
1501-1503

6."Мадонна с младенцем"
1480

7."Добродетель"
1500

8."Св.Иероним, читающий на природе"
1460

9."Преображение"
1485

10."Моление о чаше"
(Агония в саду) Ок.1470

11."Мадонна и младенец с благословлением"
1510, Собрание Брера, Милан

12."Аллегория Чистилища" (лев.фр.)
1490-1500, Галерея Уффици

13."Четыре Аллегории
Упорство и Судьба", 1490

14. "Аллегория Чистилища" (прав.фр)
1490-1500, Галерея Уффици

15."Четыре Аллегории
Благоразумие и Лживость", 1490

16."Обнаженная молодая женщина с зеркалом"
1505-1510, Музей истории искусств, Вена

****************************

Боттичелли Сандро -
[собственно Алесандро ди Мариано Филипепи, Alessandro di Mariano Filipepi]
(1445–1510), итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения.
Принадлежал к Флорентийской школе, около 1465–1466 учился у Филиппо Липпи;
в 1481–1482 работал в Риме. Ранним работам Боттичелли свойственны
ясное построение пространства, четкая светотеневая лепка, интерес к бытовым деталям
(“Поклонение волхвов”, около 1476–1471,). С конца 1470-х годов, после сближения Боттичелли
с двором правителей Флоренции Медичи и кругом флорентийских гуманистов,
в его творчестве усиливаются черты аристократизма и утонченности, появляются картины
на античные и аллегорические темы, в которых чувственные языческие образы проникнуты
возвышенной и вместе с тем поэтической, лирической одухотворенностью
(“Весна”, около 1477–1478, “Рождение Венеры”, около 1483–1485, – обе в Уффици).
Одушевленность ландшафта, хрупкая красота фигур, музыкальность легких, трепетных линий,
прозрачность изысканных, словно сотканных из рефлексов красок создают в них атмосферу
мечтательности и легкой грусти.
В выполненных Боттичелли в 1481–1482 фресках в Сикстинской капелле в Ватикане
(“Сцены из жизни Моисея”, “Наказание Корея, Дафана и Абирона” и др.)
величественная гармония пейзажа и античной архитектуры сочетается с
внутренней сюжетной напряженностью, остротой портретных характеристик, свойственной,
наряду с поисками тонких нюансов внутреннего состояния человеческой души,
и станковым портретам мастера (портрет Джулиано Медичи, 1470-е, Бергамо;
портрет молодого человека с медалью, 1474, галерея Уффици, Флоренция).
В 1490-е годы, в эпоху потрясших Флоренцию социальных брожений и мистико-аскетических
проповедей монаха Савонаролы, в искусстве Боттичелли появляются ноты драматизма
и религиозной экзальтации (“Клевета”, после 1495, Уффици), однако его рисунки
к “Божественной комедии” Данте (1492–1497, Гравюрный кабинет, Берлин, и Ватиканская библиотека)
при остроте эмоциональной выразительности сохраняют легкость линии и ренессансную ясность образов.

1."Портрет Симонеты Веспуччи" Ок.1480

2."Аллегория Добродетели"
1495

3."История Лукреции"
Ок.1500

4."Портрет молодого человека с медалью"

5."Мистическое Рождество"
Ок.1500

6."Наказание Корея, Дафана и Абирона"

7."Св. Августин Блаженный"
Ок.1480

8."Благовещение"
Ок.1490

9."Мадонна Магнификат"
1486

10."Мадонна с гранатом"
1487

11. "Поклонение волхвов"
Алтарь Заноби 1475

12."Клевета"
1495

13."Венера и Марс"
1482-1483

14."Весна" 1477-1478
Галерея Уффици, Флоренция

15."Мадонна с книгой" 1485
Музей Польди-Пеццоли, Милан

16."Афина Паллада и Кентавр" 1482
Галерея Уффици, Флоренция

17."Рождение Венеры" Ок.1482
Галерея Уффици, Флоренция

18.Фреска Сикстинской капеллы
(деталь) 1482 Рим, Ватикан

19."История Настаджо дельи Онести"
Ок.1485 Прадо, Мадрид

****************************

ВЕРОНЕЗЕ Паоло -(Veronese; собственно Кальяри, Caliari) Паоло (1528–1588),
итальянский живописец эпохи Позднего Возрождения.
Учился у веронского живописца А.Бадиле; работал главным образом в Венеции, а также в Вероне, Мантуе, Виченце, Падуе, в 1560, возможно, посетил Рим. Сложившаяся к середине 1550-х годов художественная манера Веронезе воплотила лучшие черты венецианской школы живописи: легкий, артистически - изощренный рисунок и пластичность формы сочетаются у него с изысканной колористической гаммой, основанной на сложных сочетаниях чистых цветов, объединенных светоносным серебристым тоном.

1."Нахождение Моисея"
1580

2."Искушение святого Антония"
1567

3."Умерщвление св.Юстинии"
1573

4."Портрет Даниеле Барбаро"
1569

5."Христос и самаритянка" (фрагмент)
1582

6."Голгофа"
1570-е

7."Марс и Венера"
1570-е

8."Аллегория любви. Измена"
1570

9."Святая Лючия"
1580

10."Христос в Эммаусе"
1570-е

11."Казнь святых Марка и Марциллиана"
1578

12."Пир в доме Симона"
Ок.1581

13."Ангелы"
(фрагм."Женщина из Зебедии и Христос")

14."Купание Сусанны"
1570-е, Лувр, Париж

15. "Не прикасайся ко мне!" 1570-е
Художественный музей, Гренобль

16."Купание Вирсавии" 1570-е
Музей изящных искусств, Лион

****************************

ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ -
(Leonardo da Vinci) (1452-1519),
итальянский живописец, скульптор, архитектор, ученый и инженер.
Основоположник художественной культуры Высокого Возрождения,
Леонардо да Винчи сложился как мастер,
обучаясь во Флоренции у А. дель Верроккьо.
Методы работы в мастерской Вероккьо, где художественная практика
сопрягалась с техническими экспериментами,
а также дружба с астрономом П.Тосканелли способствовали
зарождению научных интересов молодого да Винчи.

1."Мадонна с прялкой" 1501

2."Дева и младенец с св.Анной"
Ок.1507

3."Вакх"
1510-1513

4."Иоанн Креститель"
1513-1517

5."Леда и лебедь"
1490-1500-е

6."Мадонна с гвоздикой" 1473

7."Портрет Беатриче д"Эсте"
1490-е

8."Портрет Джиневры Бенчи"
1476

9."Благовещение"
1472-1475

10."Тайная вечеря"
(центральный фрагмент) 1495-1497, Милан

11.Реставрационная версия фрески "Тайная вечеря"
(центральный фрагмент)

12."Мадонна Литта"
Ок.1491, Эрмитаж, Санкт-Петербург

13."Дама с горностаем" 1485-1490
Национальный музей, Краков

14."Портрет музыканта" 1490
Пинакотека Амброзиана, Милан

15. "Мона Лиза" (Джоконда)
1503-1506, Лувр, Париж

16."Мадонна Бенуа" 1478
Эрмитаж, Санкт-Петербург

17."Портрет неизвестной"
Ок.1490, Лувр, Париж

18."Мадонна в скалах" Ок. 1511
Национальная галерея, Лондон

****************************

ДЖОРДЖОНЕ -
(Giorgione; собственно Джорджо Барбарелли да Кастельфранко,
Barbarelli da Castelfranco) (1476 или 1477–1510),
итальянский живописец, один из основоположников
искусства Высокого Возрождения.
Учился, вероятно, у Джованни Беллини,
был близок к кругу венецианских гуманистов,
славился также как певец и музыкант.
Наряду с композициями на религиозные темы
(“Поклонение пастухов”, Национальная галерея искусства, Вашингтон).
Джорджоне создавал картины на светские, мифологические сюжеты,
именно в его творчестве получившие преобладающее значение.

1."Гроза"
1505

2."Воин со своим оруженосцем"
1509

3."Мадонна на троне
и святые" 1505

4."Мадонна на фоне пейзажа"
1503

5."Три возраста жизни"
1510

6."Мадонна с книгой"
1509-1510

7."Нахождение Моисея"
1505

8."Поклонение пастухов"
Ок.1505

9."Портрет Антонио Броккардо"

10."Сельский концерт"
1510

11."Портрет старухи"
Ок.1510

12."Церера"
Ок.1508

13."Портрет юноши"
Ок.1506

14."На закате"
1506

15."Мадонна с младенцем и святые"
1510

16."Юдифь" Ок.1504
Эрмитаж, Санкт-Петербург

17."Лаура" 1506
Музей истории искусств, Вена

18."Спящая Венера"
Ок.1510, Дрезденская галерея

19."Три философа" 1508
Музей истории искусств, Вена

****************************

КАРПАЧЧО Витторе -
(Carpaccio) Витторе
(около 1455 или 1456 - около1526),
итальянский живописец Раннего Возрождения.
Учился у Джентиле Беллини; работал в Венеции.
Легендарные священные события Карпаччо трактовал как реальные сцены,
развернутые в пространстве современной ему Венеции,
включал в них городские пейзажи и интерьеры, многочисленные жанровые детали,
ярко воссоздающие быт горожан (циклы картин из жизни Св.Урсулы, 1490-1495,
Галерея Академии, Венеция, а также Св.Георгия и Св.Иеронима, 1502-1507,
Скуола ди Сан-Джорджо дельи Скьявони, Венеция).
Стремление к созданию целостной картины мироздания уживается в произведениях
Карпаччо с увлекательный повествовательностью,
поэтической и несколько наивной свежестью деталей.
Тонко передавая эффект смягчения световоздушной средой
звучания локальных цветовых пятен,
Карпаччо подготовил колористические открытия венецианской школы живописи XVI века.

1."Прибытие паломников
в Кельн"
1490

2."Мадонна, Иоанн Креститель и святые"
1498

3."Лев святого Марка"
(фрагмент)
1516

4."Диспут св.Стефана"
Житие св.Стефана
1514

5."Спаситель и четыре апостола"
1480

6."Святой Георгий, поражающий дракона"
1502-1508

7."Апофеоз святой Урсулы"
1491

8."Умерщвление десяти тысяч"
1515

9."Крещение селенитов св. Георгием"
1507

10."Молодой рыцарь" 1510,
Собрание Тиссен-Борнемиса, Мадрид

11."Аллегория. Страсти Христовы"
1506, Метрополитен, Нью-Йорк

12."Встреча паломников с Папой"
1493, Галерея Академии, Венеция

13."Чудо Святого Креста"
1494, Галерея Академии, Венеция

****************************

МИКЕЛАНДЖЕЛО Буонаротти -
(Michelangelo Buonarroti; иначе Микеланьоло ди Лодовико ди Лионардо ди Буонаррото Симони)
(1475-1564), итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт
.В искусстве Микеланджело с огромной выразительной силой воплотились как глубоко человечные,
полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, так и трагическое ощущение кризиса
гуманистического миропонимания, характерное для позднеренессансной эпохи.
Микеланджело учился во Флоренции в мастерской Д.Гирландайо (1488-1489) и
у скульптора Бертольдо ди Джованни (1489-1490),
однако определяющее значение для творческого развития Микеланджело имело его знакомство
с работами Джотто, Донателло, Мазаччо, Якопо делла Кверча,
изучение памятников античной пластики.
Творчество Микеланджело,
ставшее блестящим заключительным этапом итальянского Возрождения,
сыграло огромную роль в развитии европейского искусства,
во многом подготовило становление маньеризма,
оказало большое влияние на сложение принципов барокко.

1.Роспись свода Сикстинской капеллы

2.Люнеты (пророки и папы)

3.Деталь росписи «Сотворение Адама»

4.Деталь «Пророки Иеремия и Исайя»

5.Деталь росписи «Сотворение Евы»

6.«Святое семейство» 1506

7.Сикстинская капелла
"Потоп"

8.Сикстинская капелла
"Ливийская сивилла"

9.Сикстинская капелла
"Отделение света от тьмы"

10.Сикстинская капелла
"Грехопадение"

11.Сикстинская капелла
"Эритрейская сивилла"

12.Сикстинская капелла
"Пророк Захария"

****************************

РАФАЭЛЬ Санти -
(собственно Раффаэлло Санти или Санцио, Raffaello Santi, Sanzio)
(1483-1520), итальянский живописец и архитектор.
В его творчестве с наибольшей ясностью воплотились
гуманистические представления Высокого Возрождения
о прекрасном и совершенном человеке, живущем в гармонии с миром,
характерные для эпохи идеалы жизнеутверждающей красоты.
Рафаэль, сын живописца Джованни Санти, ранние годы провел в Урбино,
в 1500-1504 учился у Перуджино в Перудже.
Произведения этого периода отмечены тонкой поэзией
и мягким лиризмом пейзажных фонов.
Искусство Рафаэля, оказавшее громадное влияние на европейскую живопись XVI-XIX
и, отчасти, XX веков, на протяжении столетий сохраняло для художников и зрителей
значение непререкаемого художественного авторитета и образца.

1."Мадонна Грандука"
1504

2."Мадонна дель Импанната"
1504

3."Мадонна в зелени"
Ок.1508

4."Святое семейство под дубом"
1518

5."Алтарь св.Николаса"
(фрагм.) 1501

6."Битва св.Георгия с драконом"
1502

7."Три грации"
1502

8."Сон рыцаря"
1502

9."Триумф Галатеи"
1514

10."Мадонна Ансидеи"
Ок.1504

11."Несение креста"
1516

12."Св.Михаил и дракон"
1514

13."Адам и Ева"
1509-1511

14."Иоанна Арагонская"
1518

15."Дама с единорогом"
Ок.1502

16."Портрет Маргариты Лути"
1519

17."Портрет Бальтазара Кастильоне" 1515

18."Мадонна Каниджани" 1508
Старая пинакотека, Мюнхен

19."Мадонна Конестабиле" 1502-1504
Эрмитаж, Санкт-Петербург

20."Видение Иезекииля" 1515
Палаццо Питти, Флоренция

21."Сикстинская Мадонна" 1514
Картинная галерея, Дрезден

****************************

ТИЦИАН -
(собственно Тициано Вечеллио, Tiziano Veccellio),
(1476/77 или 1480-е годы - 1576),
итальянский живописец эпохи
Высокого и Позднего Возрождения.
Учился в Венеции у Джованни Беллини,
в мастерской которого сблизился с Джорджоне;
работал в Венеции, а также в Падуе, Ферраре, Мантуе, Урбино, Риме и Аугсбурге.
Тесно связанный с венецианскими художественными кругами
(Джорджоне, Я.Сансовино, писатель П.Аретино и др.),
выдающийся мастер венецианской школы живописи,
Тициан воплотил в своем творчестве гуманистические идеалы Возрождения.
Его жизнеутверждающее искусство отличается многогранностью,
широтой охвата действительности, раскрытием глубоких драматических конфликтов эпохи.
Живописная техника Тициана оказала исключительное влияние на дальнейшее,
вплоть до ХX века, развитие мирового изобразительного искусства.

1."Светская любовь"
(Тщеславие) 1515

2."Диана и Каллисто"
1556 - 1559

3."Бахус и Ариадна"
1523-1524

4."Похищение Европы"
1559 - 1562

5."Грехопадение"
1570

6."Флора"
1515

7."Иоланта"
(La Bella Gatta)

8."Федериго Гонзага из Мантуи"
1525

9."Венера с зеркалом" 1555

10."Даная и амур"
1546

11."Любовь земная и небесная"
1510

12."Портрет молодой женщины"
Ок.1530, Эрмитаж, Санкт-Петербург

13."Кающаяся Мария Магдалина"
1560-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург

14."Диана и Актеон" 1556
Нац. галерея Шотландии, Эдинбург

15. "Вакханалия"
1525, Музей Лувр, Париж

16."Венера Урбинская"
1538, Уффици, Флоренция

17."Венера и Адонис"
1554, Прадо, Мадрид

****************************

В первых десятилетиях XV века в искусстве Италии происходит решительный перелом. Возникновение мощного очага Ренессанса во Флоренции повлекло за собой обновление всей итальянской художественной культуры. Творчество Донателло, Мазаччо и их сподвижников знаменует победу ренессансного реализма, существенно отличавшегося от того "реализма деталей", который был характерен для искусства позднего треченто. Произведения этих мастеров проникнуты идеалами гуманизма. Они возвеличивают человека, поднимают его над уровнем обыденности. В своей борьбе с традицией готики художники раннего Возрождения искали опору в античности и искусстве Проторенессанса. То, что только интуитивно, на ощупь искали мастера Проторенессанса, теперь основывается на точных знаниях. Итальянское искусство XV века отличается большой пестротой. Различие условий, в которых формируются местные школы, порождает разнообразие художественных течений. Новое искусство, победившее в начале XV века в передовой Флоренции, далеко не сразу получило признание и распространение в других областях страны. В то время как во Флоренции работали Брунелесски, Мазаччо, Донателло, в северной Италии еще были живы традиции византийского и готического искусства, лишь постепенно вытесняемые Ренессансом.

Кватроченто

С конца XIV в. власть во Флоренции переходит к дому банкиров Медичи. Его глава, Козимо Медичи, стал негласным правителем Флоренции. Ко двору Козимо Медичи (а затем и его внука Лоренцо, прозванного Великолепным) стекаются писатели, поэты, ученые, архитекторы и художники. Начинается век медицейской культуры. Первые признаки новой, буржуазной культуры и зарождение нового, буржуазного мировоззрения особенно ярко проявились в XV в., в период кватроченто. Но именно потому, что процесс сложения новой культуры и нового мировоззрения не был завершен в этот период (это произошло позже, в эпоху окончательного разложения и распада феодальных отношений), XV век полон творческой свободы, смелых дерзаний, преклонения перед человеческой индивидуальностью. Это поистине век гуманизма. Кроме того, это эпоха, полная веры в безграничную силу разума, эпоха интеллектуализма. Восприятие действительности проверяется опытом, экспериментом, контролируется разумом. Отсюда тот дух порядка и меры, который столь характерен для искусства Ренессанса. Геометрия, математика, анатомия, учение о пропорциях человеческого тела имеют для художников огромное значение; именно тогда начинают тщательно изучать строение человека; в XV в. итальянские художники решили и проблему прямолинейной перспективы, которая уже назрела в искусстве треченто. В формировании светской культуры кватроченто огромную роль сыграла античность. XV столетие демонстрирует прямые связи с ней культуры Возрождения. С 1439 года, со времени состоявшегося во Флоренции вселенского церковного собора, на который прибыли в сопровождении пышной свиты византийский император Иоанн Палеолог и константинопольский патриарх, и особенно после падения Византии в 1453 году, когда многие бежавшие с Востока ученые нашли прибежище во Флоренции, город этот становится одним из главных в Италии центров изучения греческого языка, а также литературы и философии Древней Греции. Во Флоренции основывается Платоновская академия, библиотека Лауренциана содержит богатейшее собрание античных рукописей. И все же ведущая роль в культурной жизни Флоренции первой половины и середины XV века, бесспорно, принадлежала искусству. Появляются первые художественные музеи, наполненные статуями, обломками античной архитектуры, мраморами, монетами, керамикой. Восстанавливается античный Рим. Перед изумленной Европой предстает красота страдающего Лаокоона, прекрасных Аполлона (Бельведерского) и Венеры (Медицейской).

Скульптура

В XV в. итальянская скульптура переживала расцвет. Она приобрела самостоятельное, независимое от архитектуры значение, в ней появились новые жанры. В практику художественной жизни начинали входить заказы богатых купеческих и ремесленных кругов на украшение общественных зданий; художественные конкурсы приобретали характер широких общественных мероприятий. Событием, которое открывает новый период в развитии итальянской ренессансной скульптуры, считается состоявшийся в 1401 г. конкурс на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия. Среди участников конкурса были молодые мастера - Филиппо Брунеллески и Лоренцо Гиберти (около 1381-1455). Победил на конкурсе блестящий рисовальщик Гиберти. Один из самых образованных людей своего времени, первый историк итальянского искусства, Гиберти, в творчестве которого главным были равновесие и гармония всех элементов изображения, посвятил жизнь одному виду скульптуры - рельефу. Его искания достигли вершины в изготовлении восточных дверей флорентийского баптистерия (1425-1452 гг.), которые Микеланджело назвал «Вратами рая». Составляющие их десять квадратных композиций из позолоченной бронзы передают глубину пространства, в которой сливаются фигуры, природа, архитектура. Они напоминают выразительностью живописные картины. Мастерская Гиберти стала настоящей школой для целого поколения художников. В его мастерской в качестве помощника работал молодой Донателло, в будущем великий реформатор итальянской скульптуры. Донато ди Никколо ди Бетто Барди, которого называли Донателло (около 1386-1466), родился во Флоренции в семье чесальщика шерсти. Он работал во Флоренции, Сиене, Риме, Падуе. Однако огромная слава не изменила его простого образа жизни. Рассказывали, что бескорыстный Донателло вешал кошелёк с деньгами у двери своей мастерской, и его друзья и ученики брали из кошелька столько, сколько им было нужно.

С одной стороны, Донателло жаждал в искусстве жизненной правды. С другой, он придавал своим работам черты возвышенной героики. Эти качества проявились уже в ранних работах мастера - статуях святых, предназначенных для наружных ниш фасадов церкви Ор Сан-Микеле во Флоренции, и ветхозаветных пророков флорентийской кампанилы. Статуи находились в нишах, но они сразу привлекали внимание суровой выразительностью и внутренней силой образов. Особенно известен «Святой Георгий» (1416 г.) - юноша-воин со щитом в руке. У него сосредоточенный, глубокий взгляд; он прочно стоит на земле, широко расставив ноги. В статуях пророков Донателло особенно подчёркивал их характерные черты, подчас грубоватые, неприкрашенные, даже уродливые, но живые и естественные. У Донателло пророки Иеремия и Аввакум - цельные и духовно богатые натуры. Их крепкие фигуры скрыты тяжёлыми складками плащей. Жизнь избороздила глубокими морщинами поблёкшее лицо Аввакума, он совсем облысел, за что его во Флоренции и прозвали Цукконе (Тыква). В 1430 г. Донателло создал «Давида» - первую обнажённую статую в итальянской скульптуре Возрождения. Статуя предназначалась для фонтана во внутреннем дворе палаццо Медичи. Библейский пастух, победитель великана Голиафа, - один из излюбленных образов Ренессанса. Изображая его юношеское тело, Донателло, несомненно, исходил из античных образцов, но переработал их в духе своего времени. Задумчивый и спокойный Давид в пастушьей шляпе, затеняющей его лицо, попирает ногой голову Голиафа и словно не сознаёт ещё совершённого им подвига. Поездка в Рим вместе с Брунеллески чрезвычайно расширила художественные возможности Донателло, его творчество обогатилось новыми образами и приёмами, в которых сказалось влияние античности. В творчестве мастера наступил новый период. В 1433 г. он завершил мраморную кафедру флорентийского собора. Всё поле кафедры занимает ликующий хоровод пляшущих путти - нечто вроде античных амуров и одновременно средневековых ангелов в виде обнажённых мальчиков, иногда крылатых, изображённых в движении. Это излюбленный мотив в скульптуре итальянского Возрождения, распространившийся затем в искусстве XVII-XVIII вв. Почти десять лет Донателло работал в Падуе, старом университетском городе, одном из центров гуманистической культуры, родине глубоко почитаемого в Католической Церкви Святого Антония Падуанского. Для городского собора, посвящённого Святому Антонию, Донателло выполнил в 1446-1450 гг. огромный скульптурный алтарь со множеством статуй и рельефов. Центральное место под балдахином занимала статуя Мадонны с Младенцем, но обеим сторонам которой располагалось шесть статуй святых. В конце XVI в. алтарь был разобран. До наших дней сохранилась только его часть, и сейчас трудно себе представить, как он выглядел первоначально. Четыре дошедших до нас алтарных рельефа, изображающие чудесные деяния Святого Антония, позволяют оценить необычные приёмы, использованные мастером. Это тип плоского, как бы сплющенного рельефа. Многолюдные сцены представлены в едином движении в реальной жизненной обстановке. Фоном им служат огромные городские постройки и аркады. Благодаря передаче перспективы возникает впечатление глубины пространства, как в живописных произведениях. Одновременно Донателло выполнил в Падуе конную статую кондотьера Эразмо де Нарни, уроженца Падуи, находившегося на службе у Венецианской республики. Итальянцы прозвали его Гаттамелатой (Хитрой Кошкой). Это один из первых ренессансных конных монументов. Спокойное достоинство разлито во всём облике Гаттамелаты, одетого в римские доспехи, с обнажённой на римский манер головой, которая является великолепным образцом портретного искусства. Почти восьмиметровая статуя на высоком пьедестале одинаково выразительна со всех сторон. Монумент поставлен параллельно фасаду собора Сант-Антонио, что позволяет видеть его либо на фоне голубого неба, либо в эффектном сопоставлении с мощными формами куполов.

В последние проведённые во Флоренции годы Донателло переживал душевный кризис, его образы становились всё более драматичными. Он создал сложную и выразительную группу «Юдифь и Олоферн» (1456-1457гг.); статую «Мария Магдалина» (1454-1455 гг.) в виде дряхлой старухи, измождённой отшельницы в звериной шкуре - трагические по настроению рельефы для церкви Сан-Лоренцо, завершенные уже его учениками. Среди крупнейших скульпторов первой половины XV в. нельзя обойти вниманием Якопо делла Кверча (1374-1438) - старшего современника Гиберти и Донателло. Его творчество, богатое многими открытиями, стояло как бы в стороне от общего пути, по которому развивалось искусство Ренессанса. Уроженец города Сиены, Кверча работал в Лукке. Там в городском соборе находится выполненное этим мастером редкое по красоте надгробие юной Иларии дель Карето. В 1408 - 1419 гг. Кверча создал скульптуры для монументального фонтана Фонте Гайя на площади Кампо в Сиене. Затем мастер жил в Болонье, где его главным произведением стали рельефы для портала церкви Сан-Петро- нио (1425-1438 гг.). Выполненные из тёмно-серого твёрдого местного камня, они отличаются мощной монументальностью, предвосхищая образы Микеланджело. Второе поколение флорентийских скульпторов тяготело к более лирическому, умиротворённому, светскому искусству. Ведущая роль в нём принадлежала семье скульпторов делла Роббиа. Глава семьи Лукка делла Роббиа (1399 или 1400- 1482), современник Брунеллески и Донателло, прославился применением глазурной техники в круглой скульптуре и рельефе, часто сочетая их с архитектурой. Техника глазури (майолики), известная с глубокой древности народам Передней Азии, была в Средние века завезена на Пиренейский полуостров и остров Майорку, почему и получила своё название, а затем широко распространилась в Италии. Лукка делла Роббиа создавал медальоны с рельефами на густо-синем фоне для зданий и алтарей, гирлянды из цветов и плодов, майоликовые бюсты Мадонны, Христа, Иоанна Крестителя. Жизнерадостное, нарядное, доброе искусство этого мастера получило заслуженное признание современников. Большого совершенства в технике майолики достиг также его племянник Андреа делла Роббиа (1435-1525).

Живопись

Огромная роль, которую в архитектуре раннего Возрождения сыграл Брунеллески, а в скульптуре - Донателло, в живописи принадлежала Мазаччо. Брунеллески и Донателло переживали творческий расцвет, когда родился Мазаччо. По словам Вазари, «Мазаччо стремился изображать фигуры с большой живостью и величайшей непосредственностью наподобие действительности». Мазаччо умер молодым, не дожив до 27 лет, и всё же успел сделать в живописи столько нового, сколько иному мастеру не удавалось за всю жизнь. Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи, прозванный Мазаччо (1401 - 1428), родился в местечке Сан-Вальдарно близ Флоренции, куда он юношей уехал учиться живописи.Существовало предположение, что его учителем был Мазолино де Паникале, с которым он затем сотрудничал; сейчас оно отвергнуто исследователями. Мазаччо работал во Флоренции, Пизе и Риме. Классическим образцом алтарной композиции стала его «Троица» (1427-1428), созданная для церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции. Фреска выполнена на стене, уходящей в глубину капеллы, которая построена в форме ренессансной арочной ниши. На росписи представлены распятие, фигуры Марии и Иоанна Крестителя. Их осеняет образ Бога-Отца. На переднем плане фрески запечатлены коленопреклонённые заказчики, как бы находящиеся в самом помещении церкви. Расположенное в нижней части фрески изображение саркофага, на котором лежит скелетАдама. Надпись над саркофагом содержит традиционное средневековое изречение: «Я был таким когда-то, как вы, и вы будете такими, как я». До 50-х гг. XX в. это произведение Мазаччо в глазах любителей искусства и учёных отступало на второй план перед его знаменитым циклом росписей капеллы Бранкаччи. После того как в 1952 г. фреска была перенесена на прежнее место в храме, промыта, отреставрирована, когда была обнаружена её нижняя часть с саркофагом, «Троица» привлекла к себе пристальное внимание исследователей и любителей искусства. Творение Мазаччо замечательно во всех отношениях. Величавая отрешённость образов сочетается здесь с не виданной до тех пор реальностью пространства и архитектуры, с объёмностью фигур, выразительной портретной характеристикой лиц заказчиков и с удивительным по силе сдержанного чувства образом Богоматери. В те же годы Мазаччо (в содружестве с Мазолино) создал в церкви Санта- Мария дель Кармине росписи капеллы Бранкаччи, названные так по имени богатого флорентийского заказчика. Перед живописцем стояла задача средствами линейной и воздушной перспективы построить пространство, разместить в нём мощные фигуры персонажей, правдиво изобразить их движения, позы, жесты, а затем масштабы и цвет фигур связать с природным или архитектурным фоном. Мазаччо не только успешно справился с этой задачей, но и сумел передать внутреннее напряжение и психологическую глубину образов. Сюжеты росписей в основном посвящены истории апостола Петра. Самая известная композиция «Чудо со статиром» рассказывает, как у ворот города Капернаума Христа с учениками остановил сборщик налогов, требуя у них денег на поддержание храма. Христос повелел апостолу Петру выловить в Генисаретском озере рыбу и извлечь из неё статир. Слева на втором плане зритель видит эту сцену. Справа Пётр вручает деньги сборщику. Таким образом, композиция соединяет три разновременных эпизода, в которых трижды предстаёт апостол. В новаторской по существу живописи Мазаччо этот приём - запоздалая дань средневековой традиции изобразительного рассказа, от него в то время уже отказались многие мастера и более столетия назад сам Джотто. Но это не нарушает впечатления смелой новизны, которой отличаются весь образный строй росписи, её драматургия, жизненно убедительные, чуть грубоватые герои. Иногда в выражении силы и остроты чувства Мазаччо опережает своё время. Вот фреска «Изгнание Адама и Евы из рая» в той же капелле Бранкаччи. Зритель верит тому, что Адама и Еву, нарушивших Божественный запрет, ангел с мечом в руках действительно изгоняет из рая. Главное здесь - не библейский сюжет и внешние детали, а ощущение беспредельного человеческого отчаяния, которым охвачены Адам, закрывший лицо руками, и рыдающая Ева, с запавшими глазами и тёмным провалом искажённого криком рта. В августе 1428 г. Мазаччо уехал в Рим, не закончив росписи, и вскоре внезапно умер. Капелла Бранкаччи стала местом паломничества живописцев, перенимавших приёмы Мазаччо. Однако многое в творческом; наследии Мазаччо сумели оценить лишь следующие поколения. В творчестве его современника Паоло Уччелло (1397-1475), принадлежавшего к поколению мастеров, работавших после смерти Мазаччо, тяга к нарядной сказочности приобретала подчас наивный оттенок. Эта особенность творческого стиля художника стала его своеобразной визитной карточкой. Прелестна его ранняя маленькая картина «Святой Георгий». Решительно шагает на двух ногах зелёный дракон с винтообразным хвостом и узорчатыми крыльями, словно вырезанными из жести. Он не страшен, а забавен. Сам художник, вероятно, улыбался, создавая эту картину. Но в творчестве Уччелло своенравная фантазия сочеталась со страстью изучения перспективы. Эксперименты, чертежи, зарисовки, которым он посвящал бессонные ночи, Вазари описывал как чудачества. Между тем в историю живописи Паоло Уччелло вошёл как один из тех живописцев, кто впервые стал применять в своих полотнах приём линейной перспективы. В молодости Уччелло работал в мастерской Гиберти, затем выполнял мозаики для собора Сан-Марко в Венеции, а вернувшись во Флоренцию, познакомился с росписями Мазаччо в капелле Бранкаччи, оказавшими на него огромное влияние. Увлечение перспективой отразилось в первом произведении Уччелло - написанном им в 1436 г. портрете английского кондотьера Джона Хоквуда, известного итальянцам как Джованни Акуто. Огромная монохромная (одноцветная) фреска изображает не живого человека, а его конную статую, на которую зритель смотрит снизу вверх. Смелые искания Уччелло нашли выражение в трёх его известных картинах, заказанных Козимо Медичи и посвящённых битве двух флорентийских полководцев с войсками Сиены при Сан-Романо. В удивительных картинах Уччелло на фоне игрушечного пейзажа сошлись в ожесточённой схватке всадники и воины перемешались копья, щиты, древки знамён. И, тем не менее, сражение выглядит условной, застывшей на редкость красивой, поблёскивающей золотом декорацией с фигурами коней красного, розового и даже голубого цвета.

Родиной классического Возрождения считается Италия. История итальянского Возрождения охватывает почти два столетия. Принято говорить о Раннем Возрождении (середина XIV века – XV век), Высоком, или Зрелом Возрождении (конец XV века – 30-е годы XVI века) и Позднем Возрождении (40-е – 80-е годы XVI века).

Почему феномен Возрождения ранее всего возник и ярче всего проявился именно в Италии? Ответ на этот вопрос лежит в экономической плоскости - это раннее зарождение капиталистических отношений в стране.

Решающим оказалось возросшее влияние мастеровых, ремесленников, торговцев и банкиров - то есть сословий, которые не участвовали в феодальных отношениях. Они не исповедовали иерархическую систему средневековых ценностей, самой большой ценностью стал человек и его созидающая деятельность. Это была благоприятная почва для зарождения гуманизма. Это способствовало быстрому вытеснению средневекового мировоззрения зарождающимся новым буржуазным мировоззрением с признаками новой буржуазной культуры.

Особенно ярко это проявилось в XV веке в период Кватроченто (Раннего Возрождения). В этот период сложилась эстетика искусства Возрождения, проникнутая духом порядка и меры. Глубокий светский характер является определяющей чертой ренессансной культуры. Пожалуй, только в Италии XV века любимый художник Козимо Медичи (неофициального властителя Флоренции) Филиппе Липпи (1406-1469) решился изобразить свою возлюбленную (монашку, некогда похищенную из монастыря) и своих детей в образе Мадонны и Христа с Иоаном.

В городах начали появляться светские центры науки и искусства, которые уже не контролировались церковью. Теперь искусство стало инструментом познания мира, оно шло впереди науки, философии и поэзии. Вера в силу разума была безграничной. На первое место были выдвинуты точные научные знания. Появился целый ряд научных трактатов. Первым теоретиком в области живописи и архитектуры считается Леон Баттиста Альберти (1404-1472), который разработал теорию линейной перспективы и правдивого изображения глубины пространства в картине.

Раздробленность Италии на ряд независимых областей стала той исторической особенностью развития, которая привела к появлению локальных художественных школ. У каждой школы был свой путь развития, и свои яркие представители, что, впрочем, не означало их изоляцию. Всё это способствовало быстрому избавлению от системы ценностей, созданной церковной культурой. Искусство рассталось со средневековой безымянностью мастеров. В Истории искусства Павел Муратов писал в “Образах Италии”: “Для глаза флорентийского художника не было ничего малого и незначительного. Всё составляло для него предмет познания. Но знание вещей, к которому стремился человек кватроченто, нисколько не похоже на то знание, которое составляет гордость нашего века… там, где мы видим общее, и, значит, всегда чужое, там художник кватроченто видел особенное и своё! Это сделало возможным торжество индивидуализма во флорентийском искусстве ” .

Новое мировоззрение основывалось на гуманистических отношениях античности. А изобретение книгопечатанья в середине XV века и большое количество античных памятников на итальянской земле способствовали распространению античного наследия.

Колыбелью ренессансной культуры в эпоху Кватроченто была Флоренция - богатый город-коммуна, где оставили свой яркий след в искусстве Данте и Джотто. Революционные изменения происходили не только в науке и искусстве, они затронули и общественные отношения. Ведущая роль Флоренции была предопределена новым зарождающимся общественным явлением - меценатством. Политическая власть во Флоренции принадлежала купцам и ремесленникам. Между несколькими богатейшими семьями велась постоянная борьба за первенство. В конце XIV века эта борьба закончилась победой банкирского дома Медичи (а позднее и его внука Лоренцо, прозванного Великолепным) всем искусствам, что, безусловно, подчёркивало высокий социальный статус Медичи, во Флоренции была утверждена в 1439 году Платоновская академия и Лауренцианская библиотека. Это способствовало небывалому расцвету архитектуры и живописи.

Это было время экспериментальных поисков и открытий, представленным такими уникальными именами как Донателло, Брунеллески и Мазаччо.

фото с сайтов : biografieonline.it, art-prints-on-demand.com, clubausonia.it

Также вы можете инициировать обсуждение интересных вам тем на нашего портала.

Раннее Возрождение в Италии: условия возникновения и представители - на портале 2 queens . ru !